"Berlin express", (Jackes Tourneur, 1948).

Una extraordinaria película de Jackes Tourneur fusianando a la perfección una trama de espias hitckoniana, con la mejor ambientación noir, (como en su maravillosa "Retorno al pasado"), y un estilo semidocumental parecido al neorralismo de Rosselini de su genial trilogía de la guerra compuesto por "Roma ciudad abierta", "Paisa", y "Alemania año cero". Una paloma de la paz muerta con un mensaje secreto en Paris. Seguidamente tras la policía intentar descifrar su enigma, nos adentramos en un tren, como en las grandes películas de espias de Hitch de los años treinta. Ahora una extraordinaria presentación en travelling lateral de todos los personajes del relato de diferentes nacionalidades: Un americano, (un espléndido Rober Ryan como siempre), una francesa, un alemán, un inglés, un ruso y finalmente otro extraño alemán. Todos conforman los paises que están reconstruyendo la Alemania de la posguerra. Después de desarrollarse la acción de espionaje dentro del tren que acaba en un misterioso asesinato, nos dirijimos a Frankfurt. La película se rueda en 1948 y la trama del film se desarrolla en ese mismo año. Por lo tanto estaba la ciudad totalmente destruida en la realidad. Un documento desgarrador que ha quedado para la posteridad de la devastación que sufrió Alemania. Con un valor cinematográfico único de las consecuencias que tuvo la segunda guerra mundial. Estamos por tanto en un escenario de horror al estilo neorralista Rosseliniano. Ya tenemos desarrollada la acción, los personajes, y los lugares. Al llegar a Frankfurt la atmósfera semidocumental se va a combinar con el noir marca de la casa del propio Tourneur. Investigación policial de noche con fotografía expresionista, y desarrollo en los más clandestinos garitos del lugar. En una extraordinaria secuencia en una cervecería abandonada desentrañamos todo el misterio. Una red de nazis intenta matar a un científico alemán, que trabaja en la reunificación y reconstrucción de Alemania con la unión de todos los paises. Volvemos otra vez al tren pero ahora con dirección a la Berlín igualmente destruida. Pero el villano de la función aun está libre. En una celebre secuencia con el reflejo en la ventana de otro tren que circula en frente, el personaje de Ryan descubre el intento de asesinato del villano al científico alemán y acaban abatiéndolo. La trama de espionaje está cerrada. Pero a Tourneur le interesa más la situación entre las diferentes nacionalidades de la reconstrucción y no quiere cerrar su película así. Al llegar a Berlín todos los personajes se van a separar. Cuando parecía que el personaje ruso tiraba una nota de compañerismo del americano, descubrimos que se le había caido por accidente. Todos se dan cuenta y se despiden entre sonrisas. Torneur quiere finalizar dándonos esperanzas. Es posible un mundo mejor entre todos, pero sin olvidar la más cruda realidad, por eso el último plano del film nos muestra a un mutilado de guerra caminando. La humanidad no puede volver a cometer los mismos errores para evitar estas terribles consecuencias. Una auténtica maravilla, una de las grandes obras maestras del gran Jackes Torneur.

"Le Jour se lève", (Marcel Carné, 1939).

Un contrapicado de un ciego subiendo las escaleras de un edificio, seguidamente una panorámica hacia arriba que finaliza en una puerta. Sin entrar dentro de ella en fuera de campo, escuchamos un disparo y al abrirse la puerta vemos a un hombre caer muerto. Después descubrimos al asesino, (un brillante Jean Gabin) y tras el acoso de la policia se encierra en su casa. Con este magistral inicio comienza una de las grandes películas del realismo poético francés de preguerras realizada por uno de sus maestros, el gran Marcel carné. A continuación mediante unos extraordinarios fundidos encadenados el relato nos va a contar en forma de flashbacks el porqué de este crimen. El film por lo tanto se anticipa a la estructura habitual del posterior noir americano con su esquema de comenzar por el final. Los fundidos encadenados para los cambios temporales también fueron muy innovadores y también han sido muy imitados a posteriori, Coppola los utiliza espléndidamente por ejemplo en su icónica "El padrino 2". La situación social obrera de la época en Francia era de un pesimismo brutal por las huelgas de los trabajadores del frente popular frente al estado, el preludio de la guerra que se avecinaba tampoco ayudaba. Este pesimismo es trasladado a la pantalla por Carné. La fotografía es oscura, nos guia por la fatalidad que vendrá. Como en el noir americano, pero aqui lo importante no es la investigación policial sino el realismo social. Las calles están siempre repletas de gente. El personaje de Gabin es por lo tanto un obrero. Conoce ha una chica joven y se enamora, ella a su vez tiene un amante, (Jules Berry). El amante es dejado por otra mujer más mayor, y esta otra mujer se lia también con el obrero. Estamos por lo tanto ante parejas promiscuas, algo muy moderno para su época, (por eso nunca se estrenó en España). Al fín el obrero y la joven deciden quererse los dos solos abandonando a sus otras parejas, pero él sigue estando algo triste, aun así no es feliz del todo. El pesimismo de su vida laboral de tanto madrugar y trabajar le absorbe. El ambiente social también le tiene atrapado. La sociedad está combulsa. Los celos por parte de ambos hombres nos conducirán irremediablemente a la muerte por asesinato del personaje de Jules Berry. El porqué del crimen ya está entonces resuelto, los flashbacks ya han finalizado. Pero a Carné le interesa más el realismo poético. Por eso el film no acaba con la resolución del asesinato. Terminará con el suicidio del personaje de Gabin. Esa es la única solución para su triste vida. Además el último plano de Carné con el que cierra el film es antológico, el ya muerto en el suelo es acompañado del humo de gas que habia lanzado la policía para sacarlo de su casa. Este humo remite metafóricamente a su monótona vida de obrero que no soportaba y que no le dejaba tener la felicidad completa. Estaba atrapado y ya ha encontrado la única salida que le quedaba. Una de las mejores películas de Marcel Carné y una de las grandes obras maestras del cine francés de los años treinta.

"Chicago, año 30", ("Party girl", Nicholas Ray, 1958).

Un abogado crimininalista, que defiende a una banda de mafiosos en el Chicago de los años treinta, (Robert Taylor), conoce un día a una bailarina, (Una exhuberante Cyd Charisse) y ello le hará replantearse su vida. Con este argumento el maestro Nicholas Ray, en cinemascope, en un extraordinario technicolor, y con unos maravillosos números musicales, nos conducirá a su tradicional mundo del melodrama romántico haciendo a su vez un homenaje al cine de gangsters de los años 30. Después de una fiesta Robert Taylor conocerá a Cyd Charisse y quedará totalmente prendada de ella, y ya no podrá escapar de ella. Seguidamente el abogado en una extraordinaria secuencia defenderá a un criminal de la banda del capo interpretado por un brillante, (Lee J. Cobb). Utilizará el método del reloj, una artimaña que utiliza para ganarse al jurado. Siempre le sale bien. Gana el caso, pero después de ver a la bailarina en un número musical maravilloso, empezará a replantearse si su vida a valido la pena ética y moralmente defendiendo a criminales. Ella puede ser la salida para un nuevo comienzo. La extraordinaria utilización del scope y el color utilizados por Ray, refuerzan la idea de un futuro de esperanza de más amor y de poder disfrutar de la vida de una forma más bondadosa. La relación de ambos se estabiliza y se van a un romántico viaje por Europa, ya no hay escapatoria. Él ya ha tomado la decisión, quiere estar con ella y abandonar a la banda criminal. Pero su jefe mafioso no lo acepta y después de amenazarlo con hacerle daño a ella, él aceptará un último caso. Defender a un capo de otra banda, pero acabará por no realizarse tal juicio porque se desencadenará una guerra entre las dos bandas y el abogado al presenciar una matanza, (brillantes secuencias rápidas de tiroteos, en claro homenaje al cine de antaño de gangsters), acabará en la cárcel como instrumento para el fiscal del distrito que quiere empapelar desesperadamente al capo. El abogado saldrá de la cárcel con un arriesgado plan del fiscal para poder atraparlo. Nos vamos a encontrar ante un desenlace del film increible. El capo después de secuestrar a la chica se la mostrará al abogado haciéndole pensar que le ha desfigurado la cara. Recordando la legendaria secuencia de "Los sobornados" de Fritz Lang de 1953 cuando Lee Marvin arroja café hirviendo a la cara de Gloria Grahame, pero aqui es un farol. Entonces el abogado volverá a utilizar su famosa artimaña del reloj pero ahora para salvar su vida. Hace ganar tiempo a la policía que terminará por abatir a la banda mafiosa. Brillante final, la pareja ya está a salvo, el romanticismo de siempre de Ray ha sido el gran desencadenante de los grandes sueños de los protagonistas, pero a diferencia de su film "Los amantes de la noche" ahora se van a cumplir. El pesimismo de antes se convierte en esperanza. Un mundo mejor les aguarda. Una absoluta obra maestra de madurez del gran Nicholas Ray.

"El demonio de las armas", ("Gun crazy", Joseph H. Lewis, 1950). 

Un niño observa una pistola en un escaparate de una tienda de armas, rompe el cristal y la roba junto con su munición, después se resbala y cae al suelo y un policía lo detiene. Ahora en tres extraordinarios flashbacks, su hermana, sus dos íntimos amigos, y su profesora de la escuela, intentan convencer a un juez que le gustan las armas y disparar desde siempre, pero que nunca le ha hecho daño a ningún ser vivo. Con este extraordinario inicio, donde se describe a la perfección la obsesión del protagonista ya desde niño por las armas, pero también su incapacidad de hacer daño a ningún ser vivo, Joseph H. Lewis, uno de los grandes maestros de la serie B de Hollywod, realiza una de las más grandes películas de cine negro de la historia del cine, con una inventiva visual y un ingenio narrativo debido al lógico bajo presupuesto de la película, increíble. Tras el juicio el niño irá 4 años a un correccional de menores y a la armada. Ya es mayor, (ahora ya está interpretado por John Dall), y su obsesión por las armas y su bondad siguen intactos. En una noche en una feria ambulante va a conocer y a quedar totalmente atrapado y fascinado por una de las más crueles y malvadas femmes fatales del género noir, una bellísima Peggy Cummins. Es una fanática de las armas también y su presentación y el duelo con John Dall para demostrar quien es el mejor disparando es una maravilla, ya nos transmite claramente la maldad que va a ejercer ella sobre él y como va a marcar su trágico destino. Tras ganar él, y después de trabajar juntos un tiempo en la feria serán expulsados de ella, y en una brillante secuencia elíptica con rápidos fusionados encadenados, Lewis nos cuenta a la perfección una vez más, como ellos dos se casan, su luna de miel y su inmediata ruina. Él quiere trabajar pero ella ansía una vida de lujos, y convence a Dall de delinquir robando bancos. Él solo lo hace por la atracción que siente por ella. Tras varios robos a pequeños comercios, van a atracar un banco en un excepcional plano secuencia que forma ya parte de la historia del cine. En tres minutos en el mismo plano, Lewis nos cuenta la llegada en coche al banco, el atraco en fuera de campo de él, la disputa de ella con un policía y la fuga y persecución tras la huida, magistral. Tras otro robo, él queda traumatizado tras tener que disparar a las ruedas de un coche policial y ella lo volverá a convecer con su belleza y maldad de hacer un último atraco. Todo es una horrible pesadilla para él, excepto ella. Intentan separarse en dos coches tras la huida para reencontrarse más adelante pero la atracción de ambos es más fuerte y se vuelven a unir. Es como dice el gran diálogo del film, las balas no pueden separse de una pistola. Pero el fatal destino hace que se queden sin el botín del atraco y regresen a las montañas de la infancia de él, donde en un extraordinario desenlace con sus dos amigos de antaño, en un pantano con una niebla que nos remite claramente a una pesadilla, los dos morirán. La malicia de ella con su belleza lo arrastró a él y le venció, y los condenó para estar juntos para la eternidad. Era su único e irremediable destino. La pesadilla finalizó. Una absoluta obra maestra del cine noir, de uno de los grandes maestros de la serie B hollywoodiense.

"True grit" (Valor de ley) de Joel y Ethan Coen (2010)

Henry Hathaway va dirigir la primera versió cinematogràfica de la novel·la de Charles Portis Valor de ley (True Grit), l'any 1969 i es va convertir amb tot mereixement en l'últim gran western del cànon clàssic. No va ser un film modèlic, però ens va deixar una interpretació magistral de John Wayne- amb l'únic oscar que va guanyar a la seva carrera inclòs- i una narració nítida i transparent com el millor cinema clàssic. Els genials germans Coen torna'n a adaptar ara la novel·la de Portis i la fan molt diferent- com era de esperar- de la del film predecessor de Hathaway. Diàlegs estranys, situacions pràcticament surrealistes i un enginyós humor negre son les principals característiques del seu personal estil. Això es el que els fa únics i diferents al panorama cinematogràfic actual i es el que s'espera d'ells a l'hora de visualitzar un dels seus films, però en aquest cas al ser un remake d'un film anterior, no els ha deixat treballar amb la llibertat que els necessiten- com ja els va passar a la nova versió de Ladykillers l'any 2004- i acaben fent un film força ensopit i tediós perquè intenten portar el relat al seu univers narratiu i visual i al mateix temps volen ser fidels a la pel·lícula de Hathaway, i no aconsegueixen equilibrar cap dels dos conceptes, repercutint així en excés en el to i en el seu ritme narratiu. Afortunadament el film també té grans encerts i ens deixa una memorable interpretació del polifacètic i sempre genial Jeff Bridges i una elegant i bella fotografia de Roger Deakins que fan que la pel·lícula es deixi contemplar encara que avorreixi en general.

"Animal Kingdom" de David Michod (2010)

Els estudis cinematogràfics de DreamsWorks i els del duet que componen Walt Disney amb Pixar, tenen pràcticament monopolitzat el gènere d'animació per ordinador a l'actualitat. Formen una dicotomia perfecte amb diferencies molt nítides i transparents entre elles. Pixar i Disney sempre busquen la perfecció tècnica i contínuament s'innoven amb la finalitat de sorprendre al públic per la seva qualitat visual. Fan guions molt treballats i equilibrats que es fusionen amb criteri en la seva posada en escena. En canvi DreamsWorks el primer que vol assolir es entreteniment, donant menys importància al disseny tècnic i visual. Megamind- l'últim film animat del estudi- demostra aquesta teoria a la perfecció, com abans ho han fet la saga de Shrek o de Madagascar. Tracta el tema dels super-herois d'una forma convencional i amb gens d'originalitat, re-visitant sobretot l'icònica i clàssica figura del super-heroi referencial de DC còmics Supermán. L'argument es constantment previsible, jugant amb l'ancestral concepte del bé i el mal de forma evident i sense cap novetat en totes les seqüències. Els personatges s'acaben transformant en estereotips molt utilitzats a la narrativa contemporània, on el joc d'aparences de qui es el bo o el dolent a la realitat, ja no es cap sorpresa. Encara així el film aconsegueix entretenir amb escenes força divertides i deixa una sensació satisfactòria i agradable durant la seva visualització, però les seves mancances tècniques i sobretot argumentals, el transformen en una proposta que no forma part del cànon de l'animació actual.

"Megamind" de Tom McGrath (2010)

Els estudis cinematogràfics de DreamsWorks i els del duet que componen Walt Disney amb Pixar, tenen pràcticament monopolitzat el gènere d'animació per ordinador a l'actualitat. Formen una dicotomia perfecte amb diferencies molt nítides i transparents entre elles. Pixar i Disney sempre busquen la perfecció tècnica i contínuament s'innoven amb la finalitat de sorprendre al públic per la seva qualitat visual. Fan guions molt treballats i equilibrats que es fusionen amb criteri en la seva posada en escena. En canvi DreamsWorks el primer que vol assolir es entreteniment, donant menys importància al disseny tècnic i visual. Megamind- l'últim film animat del estudi- demostra aquesta teoria a la perfecció, com abans ho han fet la saga de Shrek o de Madagascar. Tracta el tema dels super-herois d'una forma convencional i amb gens d'originalitat, re-visitant sobretot l'icònica i clàssica figura del super-heroi referencial de DC còmics Supermán. L'argument es constantment previsible, jugant amb l'ancestral concepte del bé i el mal de forma evident i sense cap novetat en totes les seqüències. Els personatges s'acaben transformant en estereotips molt utilitzats a la narrativa contemporània, on el joc d'aparences de qui es el bo o el dolent a la realitat, ja no es cap sorpresa. Encara així el film aconsegueix entretenir amb escenes força divertides i deixa una sensació satisfactòria i agradable durant la seva visualització, però les seves mancances tècniques i sobretot argumentals, el transformen en una proposta que no forma part del cànon de l'animació actual.