Mitologia o realitat?
L'art cinematogràfic no para d'evolucionar i constantment s'introdueixen noves fórmules narratives dins de la seva concepció formal, per atraure a les noves generacions d'espectadors. D'aquesta forma neix un nou gènere completament influenciat per els videojocs, on el punt de vista principal a la narració el dona una càmera subjectiva portada per un personatge dins de la acció del film. Pel·lícules com Rec (Jaume Balagueró, Paco Plaza, 2007), Monstruoso (Cloverfield, Matt Reeves, 2008) o District 9 (Neill Blomkamp, 2009), formen part del canon d'aquest estil, on és fusionen el fals documental amb el thriller o el terror. El último exorcismo és la nova proposta d'aquest gènere, i revitalitza les histories d'exorcismes emfatitzant més en una suposada realitat- per això és combina la subjectivitat de la càmera amb el documental- que en efectistes seqüències escatològiques i violentes, com ens tenen acostumats els films amb exorcismes. El film ens endinsa llavors, en un relat on els espectadors contemplen en primera persona, (en un guió mínim), com un evangelista bastant escèptic deixa que li filmin fent exorcismes sense creure massa en ells. Ens explica com i perquè els fa, fins que la seva consciència ideològica és veu afectada més del compte en un cas que li encomanen. Aquest canvi psicològic del personatge afecta negativament al relat, perquè proposava al seu plantejament un discurs força interessant respecte a les mitologies eclesiàstiques, i al seu desenllaç final és transforma en un senzill exercici de ensurts fàcils amb poca imaginació visual.
sábado, 20 de noviembre de 2010
"The Time Machine" (El tiempo en sus manos) de George Pal (1960)
L'odissea de la imaginació.
Viatjar en el temps sempre ha estat un enigma per als grans pensadors de l'historia, i no per casualitat H.G. Wells- el gran mestre amb Jules Verne de la literatura de ciènca ficció del s. XIX i principis del XX- va crear per a la seva novel·la The Time Machine: An invention (1895), una màquina que pogués viatjar per al temps, per imaginar-se com serien el món i l'humanitat al futur. George Pal, productor i director del film, sempre va tenir fascinació per la ciència ficció i per els efectes especials, on era un mestre, i va guanyar 7 oscars, (un d'ells per aquest film). Ens introduïm així, dins d'una pel·lícula on els artesanals trucs en els efectes especials son de vital importància. Totes les seqüències on és mostren com viatja la màquina a través del temps són meravelloses. Hi són fetes amb gran enginy, on els petits trucs de càmera a la fotografia per mostrar el pas del temps, encara avui dia (en l'era digital), sorprenen per la seva eficàcia minimalista a l'estructura narrativa del film, i per la seva bellesa plàstica.
Però la forma narrativa i visual no és l'únic encert del film, ja que té un discurs social i polític molt interessant sobre el comportament i desenvolupament del ésser humà en el futur. Ho demostren les originals escenes on surten els morlocks, (estranyes criatures que viuen sota terra), on nihilistes persones subsisteixen sense govern, i no tenen cap preocupació ni regles. És sense cap dubte la millor versió que s'ha fet mai sobre la novel·la homònima de H.G. Wells, on és demostra que amb pocs recursos tècnics, molta imaginació i gran enginy, és podien fer films de qualitat, com aquest gran clàssic de la ciència ficció.
Viatjar en el temps sempre ha estat un enigma per als grans pensadors de l'historia, i no per casualitat H.G. Wells- el gran mestre amb Jules Verne de la literatura de ciènca ficció del s. XIX i principis del XX- va crear per a la seva novel·la The Time Machine: An invention (1895), una màquina que pogués viatjar per al temps, per imaginar-se com serien el món i l'humanitat al futur. George Pal, productor i director del film, sempre va tenir fascinació per la ciència ficció i per els efectes especials, on era un mestre, i va guanyar 7 oscars, (un d'ells per aquest film). Ens introduïm així, dins d'una pel·lícula on els artesanals trucs en els efectes especials son de vital importància. Totes les seqüències on és mostren com viatja la màquina a través del temps són meravelloses. Hi són fetes amb gran enginy, on els petits trucs de càmera a la fotografia per mostrar el pas del temps, encara avui dia (en l'era digital), sorprenen per la seva eficàcia minimalista a l'estructura narrativa del film, i per la seva bellesa plàstica.
Però la forma narrativa i visual no és l'únic encert del film, ja que té un discurs social i polític molt interessant sobre el comportament i desenvolupament del ésser humà en el futur. Ho demostren les originals escenes on surten els morlocks, (estranyes criatures que viuen sota terra), on nihilistes persones subsisteixen sense govern, i no tenen cap preocupació ni regles. És sense cap dubte la millor versió que s'ha fet mai sobre la novel·la homònima de H.G. Wells, on és demostra que amb pocs recursos tècnics, molta imaginació i gran enginy, és podien fer films de qualitat, com aquest gran clàssic de la ciència ficció.
"Abel" de Diego Luna (2010)
El petit pare.
La disfunció familiar és un tema recurrent al cinema modern, on d'una forma analítica, s'intenten explicar les conseqüències que afecten sobretot als fills, de viure dins d'una família trencada. Així neix l'idea conceptual de la segona pel·lícula com a director del actor mexicà Diego Luna, on s'introdueix a les histories de ficció, després d'haver rodat un biopic documental del boxejador Julio César Chávez.
El film explica el retorn d'un nen de nou anys a la seva casa, després d'haver passat molt temps a un hospital mental per deixar de parlar. Aquest mutisme va ser la conseqüència del trauma que va patir el jove per causa de l'abandonament del pare a la família. Amb aquest argument Diego Luna construeix el que de veritat l'interessa, i fa del film una personal i original proposta. Com de sobte el noi comença a parlar i és converteix en la figura paternal que la família no ha tingut. Les situacions que sempre han d'assumir els adults, ara les fa un nen de nou anys. Això li permet al realitzador mexicà, la possibilitat de poder introduir a la narració tocs d'humor, dins d'un film dramàtic molt dur. Això és sense cap dubte el millor del relat.
La combinació dels gèneres de comèdia i drama hi són perfectament equilibrats, i tenen un to que resisteix bastant bé la major part del film, excepte el desenllaç final, que malauradament acaba sent una mica precipitat i convencional. relat.
La disfunció familiar és un tema recurrent al cinema modern, on d'una forma analítica, s'intenten explicar les conseqüències que afecten sobretot als fills, de viure dins d'una família trencada. Així neix l'idea conceptual de la segona pel·lícula com a director del actor mexicà Diego Luna, on s'introdueix a les histories de ficció, després d'haver rodat un biopic documental del boxejador Julio César Chávez.
El film explica el retorn d'un nen de nou anys a la seva casa, després d'haver passat molt temps a un hospital mental per deixar de parlar. Aquest mutisme va ser la conseqüència del trauma que va patir el jove per causa de l'abandonament del pare a la família. Amb aquest argument Diego Luna construeix el que de veritat l'interessa, i fa del film una personal i original proposta. Com de sobte el noi comença a parlar i és converteix en la figura paternal que la família no ha tingut. Les situacions que sempre han d'assumir els adults, ara les fa un nen de nou anys. Això li permet al realitzador mexicà, la possibilitat de poder introduir a la narració tocs d'humor, dins d'un film dramàtic molt dur. Això és sense cap dubte el millor del relat.
La combinació dels gèneres de comèdia i drama hi són perfectament equilibrats, i tenen un to que resisteix bastant bé la major part del film, excepte el desenllaç final, que malauradament acaba sent una mica precipitat i convencional. relat.
miércoles, 22 de septiembre de 2010
"The Expendables" (Los Mercenarios) de Sylvester Stallone (2010)
Enyorança al anys 80.
No és cap obvietat dir que l'ésser humà és molt nostàlgic per naturalesa, per què constantment recorda temps passats, i sempre amb un to exagerat d'enyorança per les vivències ja viscudes abans. Sylvester Stallone, el creador d'aquest film no és una excepció, i s'ha volgut fer un homenatge a sí mateix, i a un tipus de cinema que sobretot va triomfar als anys vuitanta on els muscles i la acció eren l'únic important. Ell va ser un dels mites més icònics d'aquest gènere cinematogràfic, però no va ser l'únic. Per això ha escrit un guió, on tenen cabuda quasi tots els actors del gènere d'acció, que van omplir les pantalles de cinema durant aquells anys.
Stallone no vol defraudar als espectadors que veien aquest tipus de pel·lícules sense cap pretensió, i els ofereix les mateixes seqüències d'acció explícites. El problema és que a l'hora de fer la posada en escena, no te el talent d'un director com per exemple John McTiernan, on films seus, com Depredador (Predator, 1987), o La jungla de cristal (Die hard, 1988), van ser canòniques als anys vuitanta, i demostrava que en aquest gènere cinematogràfic és podien fer films de qualitat. Stallone mai ha sigut un bon narrador a l'hora de dirigir, i realment li queda gran posar-se darrere de la càmera. Però la seva proposta és plena d'honestedat, i en tot moment el que ha volgut és fer, (amb més o menys sort), un homenatge a una forma d'entendre el cinema que avui dia no te molta repercussió, però va haver un temps que si que va tenir molt d'èxit.
No és cap obvietat dir que l'ésser humà és molt nostàlgic per naturalesa, per què constantment recorda temps passats, i sempre amb un to exagerat d'enyorança per les vivències ja viscudes abans. Sylvester Stallone, el creador d'aquest film no és una excepció, i s'ha volgut fer un homenatge a sí mateix, i a un tipus de cinema que sobretot va triomfar als anys vuitanta on els muscles i la acció eren l'únic important. Ell va ser un dels mites més icònics d'aquest gènere cinematogràfic, però no va ser l'únic. Per això ha escrit un guió, on tenen cabuda quasi tots els actors del gènere d'acció, que van omplir les pantalles de cinema durant aquells anys.
Stallone no vol defraudar als espectadors que veien aquest tipus de pel·lícules sense cap pretensió, i els ofereix les mateixes seqüències d'acció explícites. El problema és que a l'hora de fer la posada en escena, no te el talent d'un director com per exemple John McTiernan, on films seus, com Depredador (Predator, 1987), o La jungla de cristal (Die hard, 1988), van ser canòniques als anys vuitanta, i demostrava que en aquest gènere cinematogràfic és podien fer films de qualitat. Stallone mai ha sigut un bon narrador a l'hora de dirigir, i realment li queda gran posar-se darrere de la càmera. Però la seva proposta és plena d'honestedat, i en tot moment el que ha volgut és fer, (amb més o menys sort), un homenatge a una forma d'entendre el cinema que avui dia no te molta repercussió, però va haver un temps que si que va tenir molt d'èxit.
"Toy Story 3" de Lee Unkrich (2010)
Les joguines no tenen fi.
Què fem amb les joguines quan som grans i ja no els donem utilitat? Aquesta és la pregunta amb la que promou conceptualment la seva pel·lícula el realitzador Lee Unkrich. Després d'haver codirigit altres èxits del meravellós duet que formen els estudis de Pixar i de Walt Disney, com Monstres, S.A. (Monsters, Inc, 2001), Buscant a Nemo (Finding Nemo, 2003), o Toy Story 2 (1999), i haver fet l'edició de per exemple, Cars (2006), o Ratatouille (2007), dirigeix finalment en solitari un film d'animació i ho fa amb gran enginy i destresa. Sempre amb un discurs molt clar sobre el destí de les joguines i el comportament dels nens respecte a elles. Per què no jugarà igual un nen de dos o tres anys (segurament les trencarà), com demostra la seqüència de l'arrasament dels nois petits davant de Woody i els seus amics, que un de més gran que les tractarà millor i utilitzarà la seva imaginació, com també demostra el gran pròleg del film quan juga l'Andy en temps passats? .
La pel·lícula juga molt bé amb les capacitats de tot tipus de públic, ja sigui l'adult per les constants referències cinèfiles o l'infantil per l'entreteniment i l'humor dels genials personatges. Amb la combinació d'aquestes dues fórmules de la seva posada en escena, neixen algunes idees sensacionals, com la de transformar una guarderia en una presó liderada per un cruel os de peluix. Les situacions autoreferencials amb el gènere de films de presons son innumerables, sent molt originals els petits homenatges que es fan a films com L'evasió (Le trou, Jacques Becker, 1960), o Papillon (Franklin J. Schaffner, 1973). L'estructura narrativa del film és impecable amb molt de ritme quasi tot el metratge.
Combina elegantment les situacions de més acció i suspens, com la trepidant fuga de la presó, amb les de més emotivitat, com el desenllaç del relat. Sempre acompanyada d'un genial humor, aquesta tercera part no defraudarà a ningú, i torna a posar al duet Pixar i Disney a l'esglaó més alt de l'animació actual.
Què fem amb les joguines quan som grans i ja no els donem utilitat? Aquesta és la pregunta amb la que promou conceptualment la seva pel·lícula el realitzador Lee Unkrich. Després d'haver codirigit altres èxits del meravellós duet que formen els estudis de Pixar i de Walt Disney, com Monstres, S.A. (Monsters, Inc, 2001), Buscant a Nemo (Finding Nemo, 2003), o Toy Story 2 (1999), i haver fet l'edició de per exemple, Cars (2006), o Ratatouille (2007), dirigeix finalment en solitari un film d'animació i ho fa amb gran enginy i destresa. Sempre amb un discurs molt clar sobre el destí de les joguines i el comportament dels nens respecte a elles. Per què no jugarà igual un nen de dos o tres anys (segurament les trencarà), com demostra la seqüència de l'arrasament dels nois petits davant de Woody i els seus amics, que un de més gran que les tractarà millor i utilitzarà la seva imaginació, com també demostra el gran pròleg del film quan juga l'Andy en temps passats? .
La pel·lícula juga molt bé amb les capacitats de tot tipus de públic, ja sigui l'adult per les constants referències cinèfiles o l'infantil per l'entreteniment i l'humor dels genials personatges. Amb la combinació d'aquestes dues fórmules de la seva posada en escena, neixen algunes idees sensacionals, com la de transformar una guarderia en una presó liderada per un cruel os de peluix. Les situacions autoreferencials amb el gènere de films de presons son innumerables, sent molt originals els petits homenatges que es fan a films com L'evasió (Le trou, Jacques Becker, 1960), o Papillon (Franklin J. Schaffner, 1973). L'estructura narrativa del film és impecable amb molt de ritme quasi tot el metratge.
Combina elegantment les situacions de més acció i suspens, com la trepidant fuga de la presó, amb les de més emotivitat, com el desenllaç del relat. Sempre acompanyada d'un genial humor, aquesta tercera part no defraudarà a ningú, i torna a posar al duet Pixar i Disney a l'esglaó més alt de l'animació actual.
jueves, 3 de junio de 2010
"Canino" de Giorgos Lanthimos (2009)
Secuestrar para mantener la tradición.
La sociedad evoluciona, las tradicionales familias jerarquizadas están corrompiéndose, y los valores más ancestrales de respeto y sumisión hacia la figura patriarcal están cada día más en decadencia en la sociedad occidental actual. Pero hasta donde es capaz de llegar un ser humano para poder mantener este prototipo de familia? Esta es la pregunta que plantea el realizador griego Giorgos Lanthimos en este angustioso y magnífico film.
El planteamiento conceptualmente es similar al de "El bosque" (The village, 2004), de M. Night shyamalan. Consiste en mantener completamente aislados del exterior, a los tres hijos y a la madre de una familia en teoría muy funcional por parte de un despótico y tirano padre, que no quiere que adquieran malas influencias del mundo real. Tiene miedo que sobretodo sus hijos se contaminen de la para él, disfuncionalidad familiar que asolan a las sociedades modernas. Y es capaz de secuestrarlos bajo los muros de su casa, con la cruel y falsa cultura del miedo para que no intenten salir hacia el exterior.
Esta es la base que estructura el film, y aquí nacen varios de los aspectos de su contenido más novedosos y originales, y que a su vez son muy naif y surrealistas. Es sin duda la creación de nuevos significados en palabras, porque al patriarcal padre no le interesa que sus hijos sepan su significación real. El cineasta sabe hilvanar con elegancia esta nueva concepción en el vocabulario, dotándole de un humor muy característico e ingenuo, que cuesta de creer pero que funciona narrativamente, y ayuda a que el concepto central del film tenga coherencia. Para combatir al claustrofóbico aburrimiento que conlleva el cruel aislamiento, y para poder educarse bien en la singular y dogmática creencia tradicional que impone su padre, los hijos se distraen con unos infantiles juegos. Lanthimos sabe otorgarle esta monotonía al film con una planificación muy característica. No le da movilidad a la cámara excepto en dos o tres secuencias, planos fijos constantemente no muy largos, (construye las escenas con el montaje), que hacen dar la sensación a todo el relato de las reprimidas y aburrridas vidas que tienen que asumir los hijos y de su falta de libertad. Llama la atención en la narración del film las explícitas secuencias de sexo y de violencia que el relato contiene. Hace pensar en la dicotomía que surge entre la monotonía existente de la vida de los hijos, y la sensación de libertad al practicar sexo o usar la violencia. Como es lógico los adolescentes tienen inquietudes y curiosidad por lo que hay fuera de su casa, y sobre todo la hija mayor se lo cuestionará. Tendrá que combatir al miedo a lo desconocido que le han impuesto y le conducirá a un incierto final.
El tema que plantea el film puede parecer exagerado al mostrar un progenitor tan déspota que es capaz de secuestrar a sus propios hijos y a su mujer, pero en realidad su discurso metafórico es muy real, porque hay muchas familias aun hoy en día que funcionan con esta estricta jerarquía. Y lo que es peor, que encima son aceptadas por varios sectores retrógrados de nuestra idílica sociedad.
La sociedad evoluciona, las tradicionales familias jerarquizadas están corrompiéndose, y los valores más ancestrales de respeto y sumisión hacia la figura patriarcal están cada día más en decadencia en la sociedad occidental actual. Pero hasta donde es capaz de llegar un ser humano para poder mantener este prototipo de familia? Esta es la pregunta que plantea el realizador griego Giorgos Lanthimos en este angustioso y magnífico film.
El planteamiento conceptualmente es similar al de "El bosque" (The village, 2004), de M. Night shyamalan. Consiste en mantener completamente aislados del exterior, a los tres hijos y a la madre de una familia en teoría muy funcional por parte de un despótico y tirano padre, que no quiere que adquieran malas influencias del mundo real. Tiene miedo que sobretodo sus hijos se contaminen de la para él, disfuncionalidad familiar que asolan a las sociedades modernas. Y es capaz de secuestrarlos bajo los muros de su casa, con la cruel y falsa cultura del miedo para que no intenten salir hacia el exterior.
Esta es la base que estructura el film, y aquí nacen varios de los aspectos de su contenido más novedosos y originales, y que a su vez son muy naif y surrealistas. Es sin duda la creación de nuevos significados en palabras, porque al patriarcal padre no le interesa que sus hijos sepan su significación real. El cineasta sabe hilvanar con elegancia esta nueva concepción en el vocabulario, dotándole de un humor muy característico e ingenuo, que cuesta de creer pero que funciona narrativamente, y ayuda a que el concepto central del film tenga coherencia. Para combatir al claustrofóbico aburrimiento que conlleva el cruel aislamiento, y para poder educarse bien en la singular y dogmática creencia tradicional que impone su padre, los hijos se distraen con unos infantiles juegos. Lanthimos sabe otorgarle esta monotonía al film con una planificación muy característica. No le da movilidad a la cámara excepto en dos o tres secuencias, planos fijos constantemente no muy largos, (construye las escenas con el montaje), que hacen dar la sensación a todo el relato de las reprimidas y aburrridas vidas que tienen que asumir los hijos y de su falta de libertad. Llama la atención en la narración del film las explícitas secuencias de sexo y de violencia que el relato contiene. Hace pensar en la dicotomía que surge entre la monotonía existente de la vida de los hijos, y la sensación de libertad al practicar sexo o usar la violencia. Como es lógico los adolescentes tienen inquietudes y curiosidad por lo que hay fuera de su casa, y sobre todo la hija mayor se lo cuestionará. Tendrá que combatir al miedo a lo desconocido que le han impuesto y le conducirá a un incierto final.
El tema que plantea el film puede parecer exagerado al mostrar un progenitor tan déspota que es capaz de secuestrar a sus propios hijos y a su mujer, pero en realidad su discurso metafórico es muy real, porque hay muchas familias aun hoy en día que funcionan con esta estricta jerarquía. Y lo que es peor, que encima son aceptadas por varios sectores retrógrados de nuestra idílica sociedad.
sábado, 29 de mayo de 2010
"Kick-Ass" de Matthew Vaughn (2010)
Bendita postmodernidad.
Kick-Ass es la nueva propuesta llevada a la pantalla de Mark Millar, el creador de cómics que actualmente es la quintaesencia de los autores norteamericanos con títulos como "Hijo rojo", "The Ultimates", o "Wanted". Estamos frente a un auténtico postmodernista que se ha atrevido a reinventar clásicos como "Supermán" y "The Avengers" (Los Vengadores), de las icónicas y referenciales factorías de Marvel y DC cómics. Curiosamente el film de Matthew Vaughn, se ha desarrollado prácticamente al mismo tiempo que se publicaban los primeros números de la serie de Millar. Este fenómeno ha hecho que el público pueda descubrir casi a la par el film y el cómic, y así la fidelidad que siempre rivaliza entre el mundo de las viñetas y el fílmico aquí no tenga apenas sentido debatirlo.
El film por supuesto se ha beneficiado de adaptar un cómic de un escritor tan transgresor como Millar, porque tanto formalmente como en su contenido se alimenta de ciertos riesgos que tendrán controversia, pero que al mismo tiempo son el motor del esquema conceptual de la película. No tendría sentido contemplarla sin sus transgresiones porque en el universo postmoderno tiene que haberlas, ya que el tono paródico y autorreferencial está siempre presente, y hay que jugar con las ideas originales pasadas y reinventarlas. Así pues la trama se toma estas licencias y muestra a un joven colegial que se pregunta porqué no se puede ser un superhéroe sin necesidad de tener superpoderes, y la venganza que un padre y su hija planean contra una banda mafiosa. Los tres personajes acabarán disfrazándose de superhéroes, con la diferencia de que al joven estudiante le vendrá muy grande el mundo del bien contra el mal, y en cambio a la pareja paternofilial se le dará de maravilla. Tan bien combatirán contra el crimen organizado que es aquí donde acontece la transgresión más radical del film, y es ver como una niña de 12 años asesina sin ninguna contemplación y de forma muy violenta a gran parte de la banda criminal. Como comentaba antes causará polémica, sobre todo al espectador más retrógrado y conservador que no sabrá entender el tono de parodia y ruptural con respecto a los personajes superheroicos más clásicos. No por casualidad el disfraz del padre de la niña, es un homenaje explícito al famoso hombre murciélago de DC cómics conocido como Batman, y la trama recuerda constantemente a "Spiderman" de Sam Raimi. Además el personaje de la singular niña crea una clara empatía con el espectador, convirtiéndose en el alma real del film.
La combinación entre drama, violencia y comedia, está perfectamente hilvanada en la estructura narrativa del film. Logra entretener a raudales con un ritmo preciso y con hilarantes y homenajeantes coreografías en las escenas de lucha. El espectador que sepa entrar en su mundo autorreferencial y no busque solo realidad en la ficción, quedará satisfecho visualizando este entretenido y curioso film de superhéroes poco convencional.
Kick-Ass es la nueva propuesta llevada a la pantalla de Mark Millar, el creador de cómics que actualmente es la quintaesencia de los autores norteamericanos con títulos como "Hijo rojo", "The Ultimates", o "Wanted". Estamos frente a un auténtico postmodernista que se ha atrevido a reinventar clásicos como "Supermán" y "The Avengers" (Los Vengadores), de las icónicas y referenciales factorías de Marvel y DC cómics. Curiosamente el film de Matthew Vaughn, se ha desarrollado prácticamente al mismo tiempo que se publicaban los primeros números de la serie de Millar. Este fenómeno ha hecho que el público pueda descubrir casi a la par el film y el cómic, y así la fidelidad que siempre rivaliza entre el mundo de las viñetas y el fílmico aquí no tenga apenas sentido debatirlo.
El film por supuesto se ha beneficiado de adaptar un cómic de un escritor tan transgresor como Millar, porque tanto formalmente como en su contenido se alimenta de ciertos riesgos que tendrán controversia, pero que al mismo tiempo son el motor del esquema conceptual de la película. No tendría sentido contemplarla sin sus transgresiones porque en el universo postmoderno tiene que haberlas, ya que el tono paródico y autorreferencial está siempre presente, y hay que jugar con las ideas originales pasadas y reinventarlas. Así pues la trama se toma estas licencias y muestra a un joven colegial que se pregunta porqué no se puede ser un superhéroe sin necesidad de tener superpoderes, y la venganza que un padre y su hija planean contra una banda mafiosa. Los tres personajes acabarán disfrazándose de superhéroes, con la diferencia de que al joven estudiante le vendrá muy grande el mundo del bien contra el mal, y en cambio a la pareja paternofilial se le dará de maravilla. Tan bien combatirán contra el crimen organizado que es aquí donde acontece la transgresión más radical del film, y es ver como una niña de 12 años asesina sin ninguna contemplación y de forma muy violenta a gran parte de la banda criminal. Como comentaba antes causará polémica, sobre todo al espectador más retrógrado y conservador que no sabrá entender el tono de parodia y ruptural con respecto a los personajes superheroicos más clásicos. No por casualidad el disfraz del padre de la niña, es un homenaje explícito al famoso hombre murciélago de DC cómics conocido como Batman, y la trama recuerda constantemente a "Spiderman" de Sam Raimi. Además el personaje de la singular niña crea una clara empatía con el espectador, convirtiéndose en el alma real del film.
La combinación entre drama, violencia y comedia, está perfectamente hilvanada en la estructura narrativa del film. Logra entretener a raudales con un ritmo preciso y con hilarantes y homenajeantes coreografías en las escenas de lucha. El espectador que sepa entrar en su mundo autorreferencial y no busque solo realidad en la ficción, quedará satisfecho visualizando este entretenido y curioso film de superhéroes poco convencional.
Suscribirse a:
Entradas (Atom)